Disegnare la terra. Dal paesaggio visto al paesaggio ricordato.
Da oltre cinquant’anni Pericoli osserva la terra come una superficie viva, segnata dal tempo e dal lavoro umano. Le sue immagini affondano nelle colline marchigiane, luogo originario della memoria visiva dell’artista. Non sono però vedute dipinte dal vero: nascono da un processo mentale, da ricordi sedimentati e rielaborati nel tempo, oggi tradotti in pittura nello studio milanese.
Il percorso mette le opere di Pericoli in dialogo con la collezione del museo, aprendo una riflessione sul paesaggio tra tradizione e contemporaneità. L’esposizione collega la sua ricerca alla storia della pittura italiana tra Ottocento e Novecento, quando il paesaggio si trasforma da rappresentazione del visibile a spazio di esperienza, memoria e costruzione mentale. In questo confronto la mostra invita a ripensarlo come forma di pensiero, luogo in cui si intrecciano sguardo, memoria e trasformazione del territorio.
Pericoli dipinge esperienze sedimentate più che vedute. Campi, pieghe del terreno, fratture e solchi non descrivono luoghi precisi, ma raccontano il rapporto profondo tra uomo e terra. Il paesaggio diventa così una pagina scritta, un archivio in cui strade, filari e arature sono tracce di una storia collettiva.
Dopo aver studiato e fotografato le Marche, l’artista decide di non dipingere più dal vero: «Lo volevo già tutto immagazzinato nella testa». Il paesaggio diventa quindi sedimentazione della memoria, un processo di trasformazione interiore: «Queste immagini si stratificano e si comprimono dentro di me creando un processo che chiamerei geologico». Ricordi, letture e inquietudini affiorano così nella materia pittorica come strati della terra.

Il paesaggio come lingua e stratificazione
Il dialogo con gli artisti presenti nelle collezioni del museo permette di leggere la ricerca di Tullio Pericoli come parte di una più ampia storia del paesaggio, in cui il lavoro dell’uomo sulla terra si trasforma progressivamente in segno. Nel dipinto Alla vanga di Arnaldo Ferraguti la terra è modellata da una comunità di contadini che scava e rivolta il suolo: il paesaggio appare come azione collettiva, fatica condivisa e trasformazione visibile del territorio; in una sala precedente del percorso espositivo, L’aratura a Miazzina di Achille Tominetti mostrava invece il gesto dell’aratro che incide il terreno inaugurando il ciclo agricolo. In entrambi i casi il paesaggio nasce dall’intervento umano, dal ritmo del lavoro e dalla trasformazione materiale della terra.
Nella pittura di Pericoli quei gesti sopravvivono come memoria: le sue incisioni pittoriche prolungano simbolicamente i gesti dell’agricoltore e trasformano filari, strade e campi in una vera grafia del territorio. Il paesaggio diventa una superficie scritta, dove le tracce del lavoro umano emergono come segni archeologici. Segni, strade e arature si organizzano come elementi di una grammatica visiva che trasforma il lavoro sul territorio in scrittura.
L’artista parla del bisogno di segnare e tracciare linee come di un impulso primordiale, vicino alle incisioni rupestri. In questo senso la tela è affine alla terra, da incidere e lavorare, e la pittura prosegue i gesti dell’uomo. Il paesaggio si configura così come archivio di trasformazioni geologiche, culturali e affettive: una lingua in continua evoluzione, campo di tensioni tra permanenza e cambiamento, tra visibile e invisibile, tra realtà fisica e costruzione mentale.

Dal sublime alla frammentazione: una storia del paesaggio
Nel confronto con la tradizione pittorica ottocentesca emerge una trasformazione decisiva. Nei paesaggi dei divisionisti e dei pittori vigezzini la natura è costruita attraverso la frammentazione della luce: il colore si scompone in vibrazioni ottiche restituendo un mondo stabile, luminoso e armonico. In questa pittura la montagna conserva una dimensione di apertura e verticalità, spazio del sublime e della vastità.
Nella ricerca di Tullio Pericoli questo sistema viene radicalmente trasformato: la frammentazione non riguarda più la luce, ma la terra stessa. La superficie non vibra per effetto ottico, bensì si disgrega in termini geologici, generando un paesaggio fatto di fratture, smottamenti e microstrutture instabili. A questa trasformazione si affianca l’assenza della figura umana: il gesto sopravvive come traccia e il paesaggio diventa memoria di una civiltà.
Dalla vastità ottocentesca si giunge così a microcosmi frammentati, campi instabili di segni e memorie sovrapposte. Se la pittura en plein air inseguiva la luce del luogo, Pericoli coltiva il sottosuolo del ricordo: segni, incisioni e variazioni materiche evocano erosioni e sedimentazioni. Il paesaggio appare come un organismo fragile e dinamico, sospeso tra gioco e disastro, dove la pittura lavora la materia come un contadino la terra.


ENGLISH

Drawing the Earth: From the Landscape as Seen to the Landscape as Remembered
For over fifty years, Pericoli has viewed the earth as a living surface, marked by time and human labour. His images are deeply-rooted in the hills of the Marche region, the place where the artist’s visual memory began. Yet they are not views painted from true-to-life observation: they stem from a mental process, from memories that have settled and been reworked over time, now transformed into paintings in his Milan studio.
This exhibition pairs Pericoli's works with the museum's collection, prompting a reflection on the landscape as a space where tradition and modernity meet. The exhibition links his work to the history of Italian painting of the 19th and 20th centuries, when the landscape shifted from a representation of the visible to a space of experience, memory and mental construction. By making this comparison, the exhibition invites us to recast the landscape as a form of thought, a place where the observer's vision, memory and transformation of the territory intertwine.
Pericoli portrays experiences that have become part of the landscape rather than mere views. Fields, furrows, cracks and ruts do not represent specific places, but convey the profound relationship between man and the earth. The landscape thus becomes a written page, an archive in which roads, rows of trees and ploughed fields are evidence of a collective history.
After studying and taking pictures of the Marche region, the artist decided to stop painting directly from life: ‘I wanted it all stored in my brain’. The landscape thus becomes a repository of memory, a process of inner transformation: ‘These images build up and condense within me, creating a process I would call geological’. Memories, readings and anxieties thus emerge in the pictorial material like layers of the earth.


Landscape as language and stratification
Interaction with the artists featured in the museum’s collections allows us to view Tullio Pericoli’s work as part of a broader history of the landscape, in which man’s work on the land gradually takes on symbolic meaning. In Arnaldo Ferraguti’s painting Alla vanga (To the Spade), the land is shaped by a community of farmers who are ploughing and turning the soil: The landscape is presented as a collective endeavour, a shared effort and a visible transformation of the land; in a previous room of the exhibition, Achille Tominetti’s L’aratura a Miazzina (Ploughing in Miazzina) instead shows the motion of the plough cutting into the soil, marking the start of the agricultural cycle. In both situations, the landscape is the result of human intervention, the rhythm of work and the physical transformation of the earth.
In Pericoli’s paintings, those actions live on as memory: his pictorial incisions symbolically extend the farmer’s actions and transform rows of crops, roads and fields into a living record of the land. The landscape becomes a written surface, where the traces of human labour emerge as archaeological signs. Marks, roads and plough lines are organised as elements of a visual grammar that transforms work on the land into writing.
The artist describes the need to mark and draw lines as a primal impulse, similar to rock carvings. In this sense, the canvas is like the earth, to be carved and worked, and painting continues the actions of man. The landscape thus becomes an archive of geological, cultural and emotional transformations: a language in constant evolution, a field of tension between permanence and change, between the visible and the invisible, between physical reality and mental construction.

From the Sublime to the Fragmented: a history of the landscape
When compared to nineteenth-century painting traditions, a decisive transformation becomes apparent. In the landscapes of the Divisionists and the painters of Vigezzo, nature is created through the fragmentation of light: colour breaks down into optical vibrations, creating a stable, luminous and harmonious world. In this style of painting, the mountains retain a sense of openness and verticality, representing a space of the sublime and vastness.
In Tullio Pericoli’s work, this system is radically changed: fragmentation no longer involves light, but the earth itself. The surface does not tremble due to an optical effect, but disintegrates in geological terms, creating a landscape made up of fissures, landslides and unstable microstructures. This transformation is coupled with the absence of the human figure: The gesture survives as a mark and the landscape becomes the memory of a civilisation.
From the vastness of the nineteenth century, we thus arrive at fragmented microcosms, unstable fields of superimposed signs and memories. Whilst en plein air painting sought to capture the light of a place, Pericoli explores the subsoil of memory: marks, incisions and textural variations are evocative of erosion and sedimentation. The landscape appears as a fragile and dynamic organism, suspended somewhere between play and disaster, where painting works the material as a farmer works the land.